BIBLIOGRAFÍA GENERAL Y DEMÁS REFERENCIAS

Si desea obtener una mayor información respecto al Pop Art, aquí presentamos las fuentes que se han utilizado para la elaboración de este blog, que poseen una indagación más amplia del tema:

• Blog "Influencias del Pop Art en la publicidad", disponible en: http://influenciasdelpopartenpublicidad.blogspot.com.es/
• Faerna, J. Mª (1998): Pop Art. Barcelona, Polígrafa.
• Martínez Muñoz, A. (2000): Arte del siglo XX: De Andy Warhol a Cindy Shermann. Universidad Politécnica de Valencia, Servicio de Publicación.
• Página Web del antigua Seminario de Historia del Arte del C.P.R. nº 1 de Zaragoza, "La mirada singular": http://mirada.educa.aragon.es/Exposiciones/Expo_Pop.htm
• Página Web del Museo Guggenheim Bilbao: http://www.guggenheim-bilbao.es/exposiciones/murakami/
• Preckler, A.Mª (2003): Historia de arte universal de los siglos XIX y XX. Volumen 2. Madrid, Editorial Complutense.

POP ART EN EL SIGLO XXI (V): CUANDO LA OBRA DE ARTE SE PLASMA EN LA PIEL

Colección de imágenes de disfraces que con ayuda del maquillaje y un poco de imaginación han conseguido imitar casi a la perfección los dibujos de Lichtenstein , utilizando como lienzo su propia piel:

POP ART EN EL SIGLO XXI (IV): LA ARQUITECTURA

Como movimiento artístico, el Pop Art se centró sobre todo en la pintura, la escultura, los anuncios, los cómics… Pero no especialmente en la arquitectura. De hecho, en su momento no se desarrolló una “arquitectura pop”, y hoy día tampoco es un término que deba utilizarse. Pero mentiríamos si negásemos que en la actualidad muchos edificios tienen sin duda una temática pop, de nuevo reflejo de esa gran influencia que el Pop Art desarrolló en todo un abanico de campos artísticos. Algunas características de estos edificios son el uso de colores variopintos y estridentes, que se entremezclan con formas geométricas y espontáneas que forman la estructura de dichos edificios. Y es que es innegable que el Pop Art tiene una inmensa influencia como corriente estética.

Instituto de Sonido y Visión (Hilversum, Holanda)

   Escuela de Arte y Diseño (Ontairo, Canadá)

POP ART EN EL SIGLO XXI (III): LA TIPOGRAFÍA

El Pop Art llegó a influir en campos tan insospechados como el de la propia tipografía. A medida que se desarrollaba la corriente, se fue experimentando con las distintas fuentes tipográficas, que se caracterizaban por su estética vinculada a la propia idea del Pop Art de llevar lo cotidiano a la categoría de arte. Se acabaron deformando las tipografías con una notoria fantasía, y se acabó generalizando la tipografía de “cómic”, gracias especialmente a las obras de Roy Lichtenstein. Antes era impensable que una imagen pictórica fuese acompañada de un texto tipográfico, pero con el Pop Art la tipografía se convirtió en una nueva forma de expresión visual que acompañaban a las obras como si fuesen una imagen más y les dotaba de nuevos significados.

POP ART EN EL SIGLO XXI (II): LA PUBLICIDAD

El Pop Art fue y sigue siendo hoy día una corriente muy vinculada a la publicidad y a los anuncios. No sólo el Pop Art utilizaba imágenes publicitarias como obras de arte, sino que éstas además llegaban a convertirse en auténticos reclamos publicitarios. El ejemplo más clásico son las latas de sopa de tomate de la marca Campbell, utilizadas por Andy Warhol como símbolo de la sociedad consumista. Su obra se convirtió en todo un icono tanto del mundo del arte como del mundo publicitario.

Los colores vivos que captan nuestra atención, la repetición de los mismos anuncios una y otra vez, el logotipo de la marca presentado de forma frontal para que se aprecie bien claro… Son elementos característicos de los carteles publicitarios, y que se pueden apreciar artísticamente en la obra de Warhol, quien estaba fascinado por “la forma en que la publicidad promete la misma bazofia con diferentes etiquetas”. Después de todo, la repetición de estos anuncios, como Andy Warhol repitió su sopa de tomate, es símbolo de la producción en masa.

 

¿Existe mejor manera de hacer publicidad que usando el propio Pop Art como herramienta, dado que refleja la sociedad consumista y la cultura de masas? Está claro que los publicistas piensan que utilizar elementos extraídos de la propia sociedad para realizar sus anuncios al menos conlleva la captación del mismo por parte de los consumidores, pero somos nosotros, como estos consumidores, los que debemos preguntarnos si debemos ver tales anuncios como una imagen positiva o negativa de nuestros hábitos de vida y consumo. 

POP ART EN EL SIGLO XXI (I): EL DISEÑO DE INTERIORES

Una de las pruebas que refleja la importancia e influencia del Pop Art en la actualidad es, por raro y extravagante que suene, muchas piezas de mobiliario. Aún cuando el Pop Art se desarrolló hace ya prácticamente 50 años, está claro que dejó una huella muy importante, y es que ser el arte popular tiene sus ventajas, pues, como ya hemos dicho varias veces, el arte Pop supuso un acercamiento a los gustos y formas de vida de la sociedad.

Actualmente, el conocido como mobiliario pop tiene las mismas características estéticas e ideológicas del Pop Art: colores llamativos, motivos tipográficos, diseños surgidos del mundo del cómic y de la publicidad, y un espíritu desenfadado a la vez que alegre.

Pero aparte de estos ejemplos actuales, el Pop Art, como corriente artística, ya supuso una introducción en el ámbito privado en el mismo momento que se desarrollaba. Por citar un par de ejemplos, la conocida ballchair, creada en torno a 1962 por el diseñador finlandés Eero Aarnio; o la Panton Chair, fabricada por el diseñador danés Verner Panton por las mismas fechas. A fin de cuentas, el Pop Art buscaba elevar lo cotidiano a la categoría de arte, ¿no es cierto?

                         Ballchair                                                                

                               Panton Chair

Estos diseños son una prueba de que el Pop Art se convirtió en toda una corriente estética que aún hoy perdura y resulta ser bastante popular después de todo.

MARTIN SHARP, PRINCIPAL REPRESENTANTE DEL POP ART EN AUSTRALIA

Muy recientemente (concretamente el pasado 1 de diciembre), Martin Sharp, considerado el mayor artista de Pop Art australiano, falleció a los 71 años a causa de un enfisema. Puede que su nombre no sea muy conocido popularmente, pero fue sin duda la más destacada figura artística pop de Australia en la década de los 60, y por ello le dedicaremos una breve entrada para revisar algunas de sus más destacadas obras.

Podría decirse que sus trabajos más importantes pertenecen al llamado arte psicodélico, aquel inspirado por la experiencia inducida de drogas con efectos alucinógenos, como el LSD o la mescalina. Fue un movimiento que se desarrolló paralelamente al Pop, y que compartía muchas de sus características, como el uso de colores fuertes y llamativos, su presencia en otros medios como la música, la publicidad o los cómics, y su claro mensaje de crítica a la sociedad y a la política del momento. Normalmente, el arte psicodélico es asociado con la contracultura hippie. De hecho, Sharp fue uno de los más asiduos colaboradores de la revista Oz, la publicación más importante del movimiento hippie.

Algunas de sus obras más conocidas son un póster de Bob Dylan con gafas, otro póster de Jimmy Hendrix explotando en una llamarada de trazos multicolores, y la portada del segundo álbum de Cream, un grupo de música rock británico, titulado Disraeli Gears. Éste último destaca por un collage floral que envuelve los rostros de los componentes del grupo, ya que según el propio Sharp, describía a la perfección su música, que describía como “cálida y fosforescente”.

 Portada del disco "Disraeli Gears", del grupo de rock Cream

          Póster de Bob Dylan                     Póster de Jimmy Hendrix

Y con este breve repaso, despedimos a una destacada pero no muy conocida figura del Pop Art, Martin Sharp.

TAKASHI MURAKAMI, "EL ANDY WARHOL JAPONÉS"

Nacido en Tokio en 1962, Takashi Murakami es uno de los artistas más influyentes procedentes de Japón en las últimas décadas. Doctorado por la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio en 1983 y con formación en nihonga(un estilo pictórico centrado en las técnicas y temas tradicionales japoneses), Murakami surge de la generación Neo-Pop japonesa tras el pinchazo de la burbuja económica en aquel país a finales de los años ochenta. Pese a incorporar en su obra elementos de la cultura popular contemporánea de su país en forma de anime (animación) y de manga (cómic), ha continuado bebiendo de las fuentes tradicionales japonesas, desde la iconografía budista o los rollos de pinturas del siglo XII hasta la pintura zen y las técnicas de composición de la pintura excéntrica del período Edo del siglo XVIII; esta última se caracteriza por el uso de imágenes fantásticas y poco convencionales, y por el empleo de una línea expresionista, y suponía un rechazo al realismo y el tradicionalismo de la época. 

Su trabajo abarca desde pintura, dibujos animados, ilustraciones minimalistas, esculturas gigantes con globos inflables y también ha participado en el mercado capital con relojes, camisetas y otros productos, todo esto bajo el carácter de la firma Mr.DOB.

Mr. DOB es una figura de cabeza circular con dos orejas; en la oreja izquierda lleva la letra D y en la derecha la B; la cara tiene forma de O, de manera que puede leerse su nombre. El nombre de DOB es la contracción de la expresión de corte dadaísta japonesa

Pero todo su trabajo no es risa y diversión, entre sus obras también hay alusiones a las catástrofes nucleares que sufrió Japón durante la segunda guerra mundial.

En esta imagen por ejemplo se puede apreciar que la seta es una clara referencia a la forma de seta que es producida por una explosión de una bomba nuclear.

En esta otra ocurre lo mismo, pero queda aún más claro el rastro de muerte que deja la bomba.

OBRAS DE ARTE QUE INVADEN LA REALIDAD

Una de las cosas más curiosas del Pop Art es, que a pesar de ser una corriente artística que en definitiva intenta acercar el arte a la realidad social del momento, gran parte del populacho no entiende o no ve qué tienen de especial todas las obras de arte de este movimiento que, ciertamente, lo único que hacen es reflejar nuestra propia forma de vida. Son como un espejo de la realidad, aunque a veces no es fácil verse reflejado en él.

Uno de los mejores ejemplos que refleja ese cometido de “espejo de la realidad” del Pop Art son algunas de las obras realizadas por Duane Hanson  (1925-1996), un escultor americano de Minnesota. Las obras de este artista son conocidas por ser representaciones realistas de maniquíes o muñecos en resina de poliéster, que se asemejan a personas realizando actividades de la vida cotidiana en las que todos nosotros no vemos envueltos continuamente, como salir a hacer la compra o relajarse en el sofá de casa.

       Supermarket Lady, Duane Hanson (1970)     





















Young Shopper, Duane Hanson (1973)      

                    

         Housewife, Duane Hanson (1969)

Hanson representa a la clase burguesa en su faceta más consumista y vulgar, con personajes sin un gran atractivo físico, despreocupados y descuidados. ¿Son una crítica? Sin duda. Pero lo más destacado es que su crítica no es ácida, sino sincera, representando escenas hiperrealistas, en las que uno no puede evitar verse reflejado. Si hubiese realizado figuras de cuerpos estilizados, perfectos y atractivos, probablemente su mensaje no habría funcionado. Son obras de arte que no representan la realidad, sino que la invaden. Se podrían poner varias de estas esculturas en supermercados o por la propia calle y pasarían completamente desapercibidas entre la multitud. Si existen algunas obras de arte que reflejen esencial y claramente el papel del Pop Art, son éstas.

TOM WESSELMANN Y LA IMAGEN DEL EROTISMO EN EL POP ART

Durante la década de los 60, nació la minifalda y el término “revolución sexual” era ya una completa realidad, siendo la diosa del sexo americano Marilyn Monroe el culmen de la nueva imagen de la mujer que se había ido formando en esos años en los Estados Unidos, sorteando todos los prejuicios que la sociedad pudiese tener. El nuevo papel que fue adoptando la mujer jugó un tema importante en muchas obras de artistas del Pop Art, que no tuvieron miedo de explotar la nueva sensualidad y erotismo que rodeaba a la figura de la mujer.

Uno de los pioneros y más destacados artistas en desarrollar la imagen del erotismo en la nueva corriente artística fue Tom Wesselmann (1931-2004), que no tuvo ningún pudor en mostrar impactantes desnudos femeninos en forma de collage, y que en ocasiones chocaría con las crecientes oleadas de feminismo.

Wesselmann se centraba en aspectos aislados y específicos del cuerpo de la mujer, como su boca, sus piernas, sus muslos, etc. La carne de sus figuras era siempre de un color rosáceo y los labios de un rojo intenso. 

Mouth Nº 10, Wesselmann (1967)

         Great American Nude Nº 92, Wesselmann (1967)

                                Bathtub Collage Nº3, Wesselmann (1963)

Habrá algunos que juzgarán las obras de Wesselmann como una imagen concebida de la mujer, como una imagen de la mujer como símbolo sexual, pero es innegable que abrió todo en camino en la representación de las mujeres no sólo en el Pop Art, sino en las corrientes posteriores, y su contribución no fue más que un valiente movimiento en lo que inequívoca e inevitablemente era, como ya hemos dicho, toda una revolución sexual.

LA APARIENCIA Y EL DISFRAZ: EL POP ART AL SERVICIO DE LA PROVOCACIÓN

Al ser un arte que surge junto con la publicidad  y que se expande rápidamente por los medios de comunicación, la imágenes deben seguir unas pautas lógicas para poder atraer la mayor cantidad de miradas posibles, de ahí surge la estandarización de las imágenes de los objetos cotidianos.

Pero a demás de estandarizar a los objetos, algunos artistas decidieron dar un paso adelante y empezar a estandarizar también el modelo de belleza y utilizan el erotismo como cebo para atraer al personal. El erotismo o los personajes glamurosos de la época son unos temas muy comunes en el Pop Art ya que con el invento de la televisión si un personaje triunfaba entre las masas y se convertía en una figura conocida el utilizar su imagen aseguraba que mucha más gente se interesase por la obra o por el producto en cuestión. De aquí podemos sacar las conocidas imágenes de Marilyn Monroe y de Elvis Presley de Andy Warhol.

Cuando se deja atrás el mundo de la publicidad y se empieza a extender la curiosidad sobre cómo representar el cuerpo humano aquí es donde entra el juego el erotismo, del que es ejemplo Tom Wesselmann.

Tanto los labios rojos como los pezones son el ejemplo claro de erotismo convencionalizado, idea que se representa de manera muy clara a lo largo de toda la serie de Wesselmann, titulada"Gran desnudo americano", la más famosa de este autor. Es obvio que surge de la publicidad ya que la boca está recortada de un cartel y se ha pegado a la pintura. A Wesselmann le dedicaremos una entrada propia aparte.

Los labios de Marilyn Monroe también pasan a ser un icono de deseo ya que se pueden repetir hasta el infinito como las latas de coca-cola o las latas de tomate.

Cuando se trata de erotizar las imágenes, la mujer siempre aparece en medio. Aparece de manera tan usual que algunos autores como Allen Jones deciden darle un toque aún más picante sus obras:

 Mesa

 Silla

Perchero

Este autor es británico y su acercamiento hacia el Pop Art americano siempre es desde un punto de vista provocativo y con una ironía muy cínica, de un modo más crítico e intelectualizado que lo que hace el Pop Art americano. Este autor lo que pretende es criticar el uso de las chicas pin-up como ocurre en las obras de Mel Ramos.

Este es uno de los tanto ejemplo donde a las chicas pin-up se las pone como objetos industriales o de consumo y normalmente utilizadas en la publicidad para automóviles y artículos de lujo.

La ironía de la obra de Jones es que además las figuras femeninas llevan incluidas instrucciones de montaje y mantenimiento incluidas en la obra:

Alain Jacquet. El nacimiento de Venus

La obra de Jacquet (el cual está dentro de los nuevos realistas) compara algunos aspectos del Pop Art con el dadaísmo. En esta obra en concreto se ironiza una iconografía bien conocida con las principales ideas del Pop Art, la de unir publicidad y realidad.

EL POP ART EN ESPAÑA (III): EQUIPO REALIDAD

Unos años más tarde a la formación del Equipo Crónica, Jorge Ballester y Juan Cardells formaron el “Equipo Realidad”, otro grupo artístico español que se decidió a probar las influencias del Pop Art. Al igual que el Equipo Crónica, el Equipo Realidad criticó la situación política y social de España durante el franquismo mediante las técnicas y estética del arte Pop, como en el cuadro Entierro del estudiante Orgaz, representación de la represión estudiantil que tiene como fondo un cuadro del Greco. Pero también expandió sus fronteras temáticas, abandonando la problemática española y centrándose en la negatividad del imperialismo norteamericano, en obras como la Divina Proporción, en la que el Hombre de Vitruvio de Da Vinci es sustituido por un militar norteamericano como símbolo de la opresión imperialista estadounidense.

Entierro del estudiante Orgaz, Equipo Realidad (1965)

   Divina Proporción, Equipo Realidad (1967)

Todos estos artistas conforman la mayor representación del Pop Art en España, y aunque ciertamente hayan pasado desapercibidos en este terreno, es innegable que supieron comprender y adaptar sus características, dotándolas de una crítica y una ideología propiamente nacionalista, y por eso aquí resaltamos su magnífica labor.

EL POP ART EN ESPAÑA (II): EQUIPO CRÓNICA

Si bien el Pop Art en los Estados Unidos se centró en la sociedad de consumo, en España, dado el régimen franquista, tomó una temática política y de burla ante el mismo, pero siempre con unos límites marcados debido a la propia dictadura.

Siguiendo la estela de Luis Gordillo, en los años 60, Juan Antonio Toledo, Manuel Valdés y Rafael Solbes formarían un grupo llamado “Equipo Crónica”. Como su nombre bien indica, los artistas pintaban en grupo, aunque Toledo no tardaría mucho en abandonar la formación. En sus obras, además de analizar la situación política de España, hacían una revisión de la Historia del Arte, prestando gran atención al Siglo de Oro español y revistiendo cuadros conocidos y destacados desde una temática pop. Así, en el Guernica de Picasso puede observarse al Guerrero del Antifaz, como uno de los mayores representantes del franquismo de los años 50; o a Felipe IV sosteniendo un periódico ABC.

                                       El Intruso, Equipo Crónica (1969)

                        Felipe IV, Equipo Crónica (1970)

Frente a la represión del régimen franquista, el Equipo Crónica y sus obras presentaron una inusual y divertida crítica social del periodo, y que desgraciadamente ha pasado bastante inadvertida frente a ojos populares, como la mayoría de trabajos de Art Pop que se llevaron a cabo en España.

EL POP ART EN ESPAÑA (I): LUIS GORDILLO

El Pop Art es visto normalmente como una corriente genuinamente americana, pero durante los años 60 la estética pop conoció una gran expansión que llegó a muchas partes del mundo, entre ellas Europa, y dentro de Europa, España no pudo evitar verse influenciada. Si bien es cierto que el Pop Art no arraigó en nuestro país como sí lo hizo en otros, quizá debido a la fuerte presencia del informalismo, algunos artistas españoles de la década de los 60 se interesaron por esta corriente, y dejaron obras que muestran una clara reminiscencia del Pop Art estadounidense.

Uno de los precursores fue Luis Gordillo (1934), uno de los creadores artísticos más destacados de mediados del siglo XX en España, pues su obra pasa por elementos del informalismo, del Pop Art e incluso de los realismos críticos que surgirán más tardíamente. Pero lo que nos interesa son sus obras de carácter pop.

Gordillo se centró en explorar la importancia de la serie y la repetición como herramienta compositiva, algo que es característico del Pop Art, y que se encuentra relacionado con la producción en masa típica de la sociedad americana y que tanto mostraron los artistas pop en sus obras.

     Cabeza sonriente, Luis Gordillo           

Con esto, Luis Gordillo dio los primeros pasos del Pop Art en España, pasos que luego continuarían otros artistas gracias a él.

HISTORIA DEL POP ART (VII): EL POP ART Y LA CULTURA DE LOS AÑOS SESENTA

Empezando por la crítica hacia el expresionismo abstracto-es un panorama artístico surgido en américa y es una de las aportaciones del país al movimiento del arte contemporáneo- se empezó a extender la teoría de que  en realidad es una derivación del  movimiento de las vanguardias europeas, lo que hace que fuese tachado de un arte intelectualizado, la siguiente aportación que hizo estados unidos al arte contemporáneo no bebe de ninguna otra fuente. 

El Pop Art surge en américa por su gran conexión con las artes figurativas y realistas que arrancarían entre los siglos XIX y culminarían en el XX con artistas como Ben Sahn, Stuart Davis y Edward Hopper, al final de esta época se enfocaría más hacia una imagen realista, pero por otra parte otros autores prefieren marcar una abstracción de la realidad y en lugar de buscar conexiones con los objetos intenta acercarse más a la naturaleza humana y se aleja de las tendencias de épocas anteriores.

Hoy en día el Pop Art es un emblema de los años sesenta, al igual que lo fue el rock and rolll y el fenómeno hippie. Podría decirse que el Pop Art es la vuelta a la tortilla de el arte contemporáneo en estos momentos, si en Europa lo que se pretendía durante el período de entreguerras era desconfigurar la realidad y abstraerla, lo que hace el Pop Art es lo contrario, dar a la gente un arte al que aferrarse y que correspondiese al gusto de las masas en una época en la que la publicidad no sólo estaba presente en la calle, sino que también llegó a los museos.

HISTORIA DEL POP ART (VI): EL POP ART Y EL NUEVO REALISMO

En los años sesenta las imágenes publicitarias eran el núcleo principal de ideas para los artistas del Pop Art. En una época en que el público era avasallado por multitud de imágenes publicitarias al día, coger ventaja de esto es exactamente lo que hacen los artistas, pues si en un cuadro puedes identificar los objetos expuestos y además son cosas con las que tratas a menudo, lo más probable es que este tipo de obras llegue a más público y por lo tanto más conocidas serán éstas. 

Este arte va evolucionando con el tiempo y va perfeccionando el realismo hasta el punto en que surge la técnica del Assemblage, que se trata ni más ni menos que crear un collage tridimensional en el que la pintura o escultura se suman a los objetos de la vida cotidiana.

BOOM! BOOM! Armand Fernández (1960)

Uno de los principales artistas de este momento será Allan Kaprov, el cual será como el músico John Cage fue para Johns y Rauschenberg, un mentor para los artistas de la  nueva generación entre los que se encuentran: Lucas Samaras, George Bretch, Robert Whitman y el más importante de todos ellos que sería George Segal. Éstos artistas no se pueden considerar totalmente dentro del pop art, ya que se unieron en una de sus últimas etapas, pero el que sí se considera tanto del grupo anterior como de este es Lichtenstein.

El Pop Art está muy unido a la prosperidad y el optimismo americano de estos años.