EL POP ART EN ESPAÑA (II): EQUIPO CRÓNICA

Si bien el Pop Art en los Estados Unidos se centró en la sociedad de consumo, en España, dado el régimen franquista, tomó una temática política y de burla ante el mismo, pero siempre con unos límites marcados debido a la propia dictadura.

Siguiendo la estela de Luis Gordillo, en los años 60, Juan Antonio Toledo, Manuel Valdés y Rafael Solbes formarían un grupo llamado “Equipo Crónica”. Como su nombre bien indica, los artistas pintaban en grupo, aunque Toledo no tardaría mucho en abandonar la formación. En sus obras, además de analizar la situación política de España, hacían una revisión de la Historia del Arte, prestando gran atención al Siglo de Oro español y revistiendo cuadros conocidos y destacados desde una temática pop. Así, en el Guernica de Picasso puede observarse al Guerrero del Antifaz, como uno de los mayores representantes del franquismo de los años 50; o a Felipe IV sosteniendo un periódico ABC.

                                       El Intruso, Equipo Crónica (1969)

                        Felipe IV, Equipo Crónica (1970)

Frente a la represión del régimen franquista, el Equipo Crónica y sus obras presentaron una inusual y divertida crítica social del periodo, y que desgraciadamente ha pasado bastante inadvertida frente a ojos populares, como la mayoría de trabajos de Art Pop que se llevaron a cabo en España.

EL POP ART EN ESPAÑA (I): LUIS GORDILLO

El Pop Art es visto normalmente como una corriente genuinamente americana, pero durante los años 60 la estética pop conoció una gran expansión que llegó a muchas partes del mundo, entre ellas Europa, y dentro de Europa, España no pudo evitar verse influenciada. Si bien es cierto que el Pop Art no arraigó en nuestro país como sí lo hizo en otros, quizá debido a la fuerte presencia del informalismo, algunos artistas españoles de la década de los 60 se interesaron por esta corriente, y dejaron obras que muestran una clara reminiscencia del Pop Art estadounidense.

Uno de los precursores fue Luis Gordillo (1934), uno de los creadores artísticos más destacados de mediados del siglo XX en España, pues su obra pasa por elementos del informalismo, del Pop Art e incluso de los realismos críticos que surgirán más tardíamente. Pero lo que nos interesa son sus obras de carácter pop.

Gordillo se centró en explorar la importancia de la serie y la repetición como herramienta compositiva, algo que es característico del Pop Art, y que se encuentra relacionado con la producción en masa típica de la sociedad americana y que tanto mostraron los artistas pop en sus obras.

     Cabeza sonriente, Luis Gordillo           

Con esto, Luis Gordillo dio los primeros pasos del Pop Art en España, pasos que luego continuarían otros artistas gracias a él.

HISTORIA DEL POP ART (VII): EL POP ART Y LA CULTURA DE LOS AÑOS SESENTA

Empezando por la crítica hacia el expresionismo abstracto-es un panorama artístico surgido en américa y es una de las aportaciones del país al movimiento del arte contemporáneo- se empezó a extender la teoría de que  en realidad es una derivación del  movimiento de las vanguardias europeas, lo que hace que fuese tachado de un arte intelectualizado, la siguiente aportación que hizo estados unidos al arte contemporáneo no bebe de ninguna otra fuente. 

El Pop Art surge en américa por su gran conexión con las artes figurativas y realistas que arrancarían entre los siglos XIX y culminarían en el XX con artistas como Ben Sahn, Stuart Davis y Edward Hopper, al final de esta época se enfocaría más hacia una imagen realista, pero por otra parte otros autores prefieren marcar una abstracción de la realidad y en lugar de buscar conexiones con los objetos intenta acercarse más a la naturaleza humana y se aleja de las tendencias de épocas anteriores.

Hoy en día el Pop Art es un emblema de los años sesenta, al igual que lo fue el rock and rolll y el fenómeno hippie. Podría decirse que el Pop Art es la vuelta a la tortilla de el arte contemporáneo en estos momentos, si en Europa lo que se pretendía durante el período de entreguerras era desconfigurar la realidad y abstraerla, lo que hace el Pop Art es lo contrario, dar a la gente un arte al que aferrarse y que correspondiese al gusto de las masas en una época en la que la publicidad no sólo estaba presente en la calle, sino que también llegó a los museos.

HISTORIA DEL POP ART (VI): EL POP ART Y EL NUEVO REALISMO

En los años sesenta las imágenes publicitarias eran el núcleo principal de ideas para los artistas del Pop Art. En una época en que el público era avasallado por multitud de imágenes publicitarias al día, coger ventaja de esto es exactamente lo que hacen los artistas, pues si en un cuadro puedes identificar los objetos expuestos y además son cosas con las que tratas a menudo, lo más probable es que este tipo de obras llegue a más público y por lo tanto más conocidas serán éstas. 

Este arte va evolucionando con el tiempo y va perfeccionando el realismo hasta el punto en que surge la técnica del Assemblage, que se trata ni más ni menos que crear un collage tridimensional en el que la pintura o escultura se suman a los objetos de la vida cotidiana.

BOOM! BOOM! Armand Fernández (1960)

Uno de los principales artistas de este momento será Allan Kaprov, el cual será como el músico John Cage fue para Johns y Rauschenberg, un mentor para los artistas de la  nueva generación entre los que se encuentran: Lucas Samaras, George Bretch, Robert Whitman y el más importante de todos ellos que sería George Segal. Éstos artistas no se pueden considerar totalmente dentro del pop art, ya que se unieron en una de sus últimas etapas, pero el que sí se considera tanto del grupo anterior como de este es Lichtenstein.

El Pop Art está muy unido a la prosperidad y el optimismo americano de estos años.

HISTORIA DEL POP ART (V): LENGUAJE ARTÍSTICO Y CULTURA DE MASAS

Cuando ya llegan los años sesenta, el Pop Art ya es un arte con unos temas y un significado característico. Ahora ya no es solo una fase experimental como pasaba con las primeras obras de Rauschenberg y de Johns, sino que ahora el culto hacia el objeto se ha extendido y por ello muchos más artistas son partícipes de este nuevo arte.

Hablando sobre los artistas principales, Warhol ya ha escogido la serigrafía (método para estampar diseños en telas) como método principal para crear sus obras como sus conocidas latas de sopa Campbell y botellas de coca-cola. Aún más conocida es su imagen de Marilyn Monroe:

Lichtenstein se decanta por el mundo del cómic y decide hacer una obra de cada viñeta ampliada:

Wesselmann por su parte se dedica a hacer collages sobre recortes publicitarios y de esta manera con pequeños fragmentos de imágenes conseguir una obra con un trasfondo y un significado diferentes:

Lo importante del Pop Art es que se enfoca en las imágenes de la cultura popular pero no llega a expresar “sentimientos” por ellas. Para explicarlo podría poner como ejemplo a Warhol: este hombre cuando realiza sus obras no se preocupa por dar un nuevo significado al objeto que está retratando, ni intenta meter sus sentimientos en la obra, lo único que quiere es mostrar la imagen tal cual es y hacerla única a nuestros ojos. El Pop Art se encarga de mostrar el mundo tal cual es, sin aprobarlo o reprocharlo. Pone a todas las imágenes al mismo nivel y una vez hecho esto intenta captar la atención del espectador hacia un punto en concreto. Con respecto a esta explicación está Wesselmann, el cual con sus imágenes de comics intenta reforzar la expresividad de una imagen en concreto y Oldenburg se dedica a hacer esculturas de objetos gigantes intenta “dar una afirmación a sus fantasías”.

Muchos de los artistas que se dedicaban al Pop Art trabajaban antiguamente dentro del mundo de la cultura de masas, como por ejemplo pintores de vallas publicitarias como es el caso  de Rosenquist, el cual vio como los objetos por si mismos no eran gran cosa, pero si los exponías en un espacio pictórico abstracto podían llegar a ser algo muy diferente. Warhol  y Lichtenstein también trabajaban en el mundo de la publicidad y Wesselmann se dedicaba a escribir tiras cómicas. 

HISTORIA DEL POP ART (IV): UNA RÁPIDA CONSAGRACIÓN

Con respecto a lo que dijo Duchamp sobre que sus trabajos se admiraban por su belleza estética aunque para el no fuesen más que objetos con un fin provocativo, la mayoría de artistas tampoco estaban interesados en la belleza estética de la obra, sino en ampliar las fronteras del arte y llevar el mundo sensible a otro nivel.

Los artistas más característicos de este período se darán a conocer en Nueva York en los años 50 y se consagrarán plenamente en el 1962. Estos artistas serán:

Andy Warhol

Roy Lichtenstein

Claes Oldenburg

Tom Wesselman

James Rosenquist

Fue la historiadora Lucy Lipard quien fijo ese núcleo principal en un libro publicado en 1966 y en general se ha venido dando por bueno hasta ahora. Existe una amplia nómina cuya obra se relaciona con el Pop Art, bien porque una parte de ella se adscribe al movimiento, bien porque toda ella comparte algunos de sus intereses y rasgos característicos.

Warhol, Wesselman, Linchestein, Rosenquist y Oldenburg estaban incluidos-junto a Piebaud, Dimed e Indiana- en la exposición celebrada en 1962 en la galería neoyorkina de Sidney y Janis bajo el titulo “The new realist”, que reunía también a artistas británicos como Black y Peter Philips y a buena parte de los nuevos realistas franceses de Pierre Restani. Un año después Lorens Alloway organiza en el Guggenheim la muestra “six painters and the objects”, con obras de Warhol, Dine, Rauscehnberg, Johns, Lichtenstein y Rosenchit que se ciñe de forma mas estricta a lo que en los años siguientes se entendería como Pop Art en sentido más estricto, y cuyos perfiles habían sido objeto de discusión en un simposio celebrado en 1962 en el museo de arte moderno con participcion de un buen numero de artistas. En estos años se celebrarán varias exposiciones hospiciadas por museos en distintas ciudades americanas, lo que prueba que el movimiento estaba ya consolidado. En esta rápida fortuna critica-no exenta de polémicas- Mart Rocto se refería a los nuevos artistas como pop-sickels, es decir, “piruletas”.

HISTORIA DEL POP ART (III): EL CAMINO HACIA EL POP EN LOS ESTADOS UNIDOS

Mientras que el pop británico surgió como una vanguardia organizada, el americano se desarrolla a partir de obras artísticas individuales que poco a poco y sin tener conciencia de grupo, empezaron a sufrir los síntomas del pop art y dejaron que los objetos fuesen el icono de su arte.

Jasper Johns y Robert Rauschenberg fueron los primeros pioneros en 1955. Rauschenberg empieza a añadir objetos reales a sus pinturas. El resultado fue una expresión de color y vida. Al principio solo utilizaba fragmentos de tela con recortes de periódco pero más tarde empezó a añadir objetos tridimensionales.

Robert Rauschenberg. Signos

Rauschenberg. Odalisca

Todo esto hace que se forma un diálogo entre el objeto y la superficie pintada.

Por su parte Jasper Jones decidió atreverse con un arte que expresase un arte más complejo y abstracto en el que en lugar de añadir objetos reales a la pintura, lo que hace es fundirlos con ella y de ahí salieron sus famosos cuadros de banderas americanas en los que hace que el objeto y  el cuadro se fundan en la pintura y al final no sabes si estas delante de una bandera de verdad o ante el cuadro.

Jasper Johnes. Banderas

Marcel Duchamp también es un personaje importante en esta época al que se le considera dadaísta y esto se refleja en sus conocidas obras de ready-made, que es un estilo que trata de convertir los objetos cotidianos en obras de arte sin cambiar apenas su aspecto exterior. De este grupo salen sus conocidas obras:

El secador de botellas

La rueda de bicicleta

El urinario

El propio Duchamp reconoció que creó estas obras como una provocación ante las nuevas corrientes artísticas como el neodadaísmo y el Pop Art diciendo: “les lancé el botellero y el urinario como una provocación a la cara y ahora los admiran por su belleza estética”.